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引言
自然，作为一个媒介，不仅仅是外部世界的花鸟树木，更是艺术家与外部环境之间深刻互动的体现。本次展览的三位艺术家都将自然植物、风景作为其进入画面的载体，通过各自不同的工作方法以及对表现材料的选择呈现出了再现自然的不同路径，也“坐标”了他们各自与自然之间的距离。不满足于对现实自然的再现是三位艺术家另一个不谋而合之处；面对自然却不“照抄”自然显然有着巨大的难度，因为想要通过光影和造型技巧简单模仿眼前自然的效果，这对经过了多年系统造型训练的艺术家而言实在无法调动起工作的新鲜感；此时人的主观想象便成为了一剂让人兴奋的良药，可惜纯粹依靠想象的绘画又会让人陷入空洞虚无的境地。问题来了，该如何平衡描摹再现的乏味可陈与任凭空想的虚无缥缈？艺术家的工作是如何在具体的材料（现实世界）和感觉（经验）的引导下一步步展开新的方法、新的视觉最终构建独属于他们自己的“自然”的？这个展览我们试图呈现三个不同的路径，期待与你分享。
关于艺术家作品
施翔的《棉花》系列原始于对棉花的写生，第一次在工作室看到施翔的《棉花》系列最触动我的是画面中橡皮狠狠划过的印迹以及一地厚厚的橡皮屑，那种由行为过程产生的强烈视觉感受被厚实的纸张毫无保留的记录和呈现，哪怕是轻轻扫过的动作也被分毫不差地“记录在案”。
这些笔触（加法）和痕迹（减法）的互相交织好像正试图构成一个图像结果，但还未等你的大脑开始总结，你的所有注意力又被画面中极具张力的痕迹笔触牢牢地吸引。它们究竟是怎么画出来的？分明不是照抄棉花，但看似随性的笔触安排下又有“棉花”的影子依稀可循；分明也不是完全想象，但显然艺术家已经把棉花作为视觉提示的“影响和干扰”降到了极低的范围。没错，那些看似有意而又“不受控制”的线条、笔触、划痕排列间已经形成了一个独特的时空。在那里，艺术家的停顿犹豫、反复修正、确定无疑和举步维艰都被那些缜密、肯定、松散、无序、层叠的笔触痕迹记录；在那里，时间以感觉的维度展开，下笔的每一个当下提示着未来的去向；在那里，艺术家只能放下自己主观的想象、努力屏蔽现实自然的强烈干扰，完全投身于笔下的时空，和他手中的纸、铅笔、木炭、橡皮一起乘兴而来，尽兴而归。当你走出这个时空，再次看到画面，你会不禁感叹：“啊～ 我竟然去过那里！”
杨乙嘉的绘画总是给人“含糖量”很高却又不腻的满足感。看似古老的风景主题总能在她的笔下透露出孩童般的清新与松弛。从画梦境的风景到记忆里的风景再到如今感觉里的风景，也许正是这份感觉里的“底气”让艺术家在数年风景创作之下越来越勇敢地走向内心感受里的真实。
仔细看她笔下的风景，如果艺术家从未亲身经历过那些真实的空间（风景），恐怕她未必能有足够的动机去开启一张画面。可显然，作品中的风景又与现实中的山水相去甚远。退远看，你分明能看得到画面的近景中景远景，它又很符合我们对风景画的特点。也许也只有从画中的笔触才能合理解释这一切。乍看下大面积的高纯度色块其实都是由各种画笔、蜡笔甚至是刮刀留下的笔痕形成。有的顺势而为，让简单的图形出现了明暗和色彩肌理毛流感；有的大胆提亮，勾勒受光面的高音部；有的则埋伏在薄薄的过渡里，让你的视觉总是“顺”着它们游走移动，时而停留在平面空间，时而又“钻到”笔触的缝隙里那个隐匿的丛深空间。我钦佩艺术家的大胆处理，她居然敢“不在意”现实山水里的棱角分明，草木的枝繁叶茂仅仅用温柔的弧线便概括了所有，让我可以不用反复在对现实的纠结里而直接进入她的感觉里最值得回味的一瞬。要知道，感觉有别于努力地回忆也不是单纯地想象，它迫使艺术家拼命打开感知的频道，在开启画面之后不断“聆听”材料和当下的反馈：色彩、构图、笔触、韵律、留白也因此都有了它们更自在的归属；不断引人进入那个现实场景与艺术家绘画时的当下感受以及材料之间三重重力下的平行空间。
毫无疑问，翟轩弘的作品里最感人的就是光的诗意呈现。画面背后的光源在由暗到亮的转变过程中画面中的自然物象也经历了从无到有的过程。你的视觉也随之经历了由此带来的时间和生命体验的共振。而这种震憾是实实在在的、是物质化的。把抽象的光作为一种“材料”引入了翟轩弘的作品是这个实在体验至关重要的一步，它让单色的画面有了新的视觉层次，起笔落笔间的轻重，颜料堆叠的厚薄，材料油份的控制，甚至是手（身体）在画面前移动的速度，都因为光线的透射有了极为微妙呈现。此时的绘画，在光的参与下形成了新的空间；时间，在此刻有了具象的呈现。它真实得好似和每一株花草树木别无二致，却又陌生得如同被复活的上古化石，穿越时空的界限只为在此刻讲述生命的故事。在这样的创作中，翟轩弘不仅是自然的观察者，更是生命的叙述者。光线的变化如同循环往复的太阳轨迹，让观者能够在笔触、材料和光线的组合中透过四方的画布开启四维的视觉旅程，跟着画作在“显与隐之间”不断经历自己的生命周期，感受自然和生命本质。
—— 工作室画廊
